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Interview in Spanish follows. English translation to come.

ENE O entrevista a Rebeca Méndez

Rebeca Méndez nació y creció en la Ciudad de México y recibió su título en Diseño para Comunicación (1984) y su maestría en Arte y Diseño Mediático en el Art Center College of Design en Pasadena, California.

Méndez es una artista que vive en Los Angeles y trabaja en diversos medios, explorando las fuerzas de la naturaleza moduladas a través de la tecnología. Méndez viaja a los rincones más alejados del mundo — de Patagonia a Islandia y el desierto del Sahara — persiguiendo imágenes de una naturaleza ideal y sublime. En su trabajo, ella también explora cuestiones de representación mediática. Su trabajo fotográfico estudia la cotidianidad, la quietud y el vacío, así como el aislamiento de lo temporal en los fenómenos. Sus instalaciones de video son intensos y cautivantes ambientes de ‘paisajes imposibles’ que envuelven al espectador con imágenes y sonidos. (www.rebecamendez.com)

1. Leyendo tu trayectoria, de inmediato recordé como cuando al entrar a la universidad, uno sueña y desea hacer de todo en la profesión. Y tú lo has hecho realidad. ¿A qué cualidad tuya atribuyes el haber logrado — y seguir alimentando- una trayectoria como ésta?

No creo en las fronteras interdisciplinarias. Dividir el conocimiento en disciplinas se desarrolló principalmente durante los siglos XVII y XVIII, cuando emergieron las teorías empíricas en las ciencias. Esto requiere un enfoque horizontal muy estrecho con un conocimiento vertical muy profundo. Dicho paradigma deshecha por completo el concepto de una persona multi-cultural y de múltiples talentos; una cuyo conocimiento es profundo, pero también amplio (horizontal). Así que, sí, estoy interesada en el conocimiento y las habilidades especializadas — técnicas y/o profesionales — que adquiero me sirven para alcanzar un conocimiento mayor, pero éstas no son un fin en sí mismo.

Además, paso mucho tiempo formando una vida para mí misma, desprendida de la cultura dominante. Practico en mantenerme en aislamiento; un aislamiento basado en el valorar una vida propia y una vida bella. Puedes sentirte muy sola en ese lugar pero, al final, vives tu propia vida en lugar de vivir la de los demás.

2. ¿Qué consejo puedes darle al estudiante que aspira a una carrera como la tuya que le dé la libertad de hacer de todo?

Recuerda que en el corazón de las disciplinas del arte y el diseño se encuentra el análisis; el siempre mantener una postura crítica. También, practica tres cosas simultáneas: 1 – Experimenta: Crea trabajos para ti mismo, que sean independientes de tus clientes, los cuales respondan a tus propias preguntas y tu propia curiosidad. 2 – Colabora: Crea trabajos y/o un colectivo con tus colegas y amigos, especialmente con aquellos que no pertenezcan a tu disciplina (escritores, arquitectos, artistas, músicos, bailarines). 3 – Realiza tu trabajo profesional con integridad: nunca abandones tus convicciones y valores personales.

3. ¿Nos podrías contar acerca de lo que te nutre como artista?

Dicho de manera simple, practico mantener la mente de un principiante — ver al mundo como si fuera por la primera vez — lo cual se ha convertido en mi motor, ya que es lo que mantiene despiertas a mi curiosidad y fascinación por cualquier tema. Me sumerjo en la cultura — leo filosofía contemporánea y teoría crítica, estoy pendiente de los avances en ciencia y tecnología, veo muchas películas independientes, videos musicales, voy a exposiciones de arte contemporáneo y paso mucho tiempo en You-Tube. Aunque a veces estoy de acuerdo con Sartre de que ‘el infierno está en los demás,’ aún disfruto compartir profundamente con las personas, especialmente durante una buena cena y con unas copas; me mantengo en comunión con la naturaleza — los largos viajes por carretera al desierto de California o a tierras distantes (Islandia, Chile, Nigeria) me hacen ‘violentamente feliz’ (Bjork). Pero, principalmente, lo que nutre mi practica artística más es estar en un estado constante de enamoramiento — con mi esposo, mis amigos, mi gato, una nube, Amiina, con una polilla que pasó volando, con la nada, con la vida.

4. Viendo tu serie Here Over There (en la que la artista documenta a través de fotografías las camas de hoteles en las que ha dormido durante sus viajes por todo el mundo), comenté con Iván Jiménez, (editor de Ene O) acerca de lo que apreciaba en tu trabajo: un deseo de capturar el momento para compartirlo con tu receptor. Él me dijo: “claro, un cuarto de hotel: un lugar al que probablemente nunca volverás�?. Recordé entonces una reflexión de un autor cuyo nombre no recuerdo, que asemejaba a la actividad del artista con la de los enamorados que graban su nombre en la corteza de un árbol con la intención secreta de que ese momento dure para siempre. ¿Estarías de acuerdo?

Una observación muy interesante y acertada de mi serie Here Over There… y estoy de acuerdo con el símil de la actividad del artista con la de los amantes que raspan su nombre en la banca del parque. La no-permanencia se ha convertido en mi acompañante y mi memoria, una musa fugitiva. Así que, sí, mantengo, detengo y prolongo un instante. La idea de mis camas de hotel vino de mis intentos desesperados de atrapar el escurridizo recuerdo de un sueño en el instante en que despiertas. Ahora, creo que lo único que puedo recordar es que alguna vez estuve ahí, y eso, es suficiente para mí.

5. ¿Podrías verbalizar tu impulso artístico? Por ejemplo, ¿podrías poner en palabras lo que pasó por tu mente cuando hiciste uno de los encuadres para Here Over There?

Pienso en lo que contesté arriba, pero hay tantos otros impulsos que actúan de manera simultánea… También estoy fascinada por la diferencia. Puedo ver la diferencia de manera más clara cuando me impongo parámetros estrictos de semejanza. Así, tomo las fotos de las camas en el instante en que despierto de la primera noche en el hotel; utilizo la iluminación natural y las luces disponibles (las lámparas que haya en la habitación); realizo una toma frontal, desde mi propia altura, de pie, y hago mi composición usando mi memoria — recordando la última toma que realicé para el proyecto, lo cual inevitablemente se convierte en una variable. Otra variable es mi pulso. No utilizo tripeé por esa razón en específico. Estoy coleccionando camas para, dentro de unos años, ver los patrones de igualdad y diferencia. Este análisis traerá nuevos trabajos.

6. Como parte de ese capturar el momento para compartirlo, veo en tu trabajo un deseo por franquear los límites del medio que utilizas — sea el que sea — para involucrar a tu receptor; envolverlo con las sensaciones físicas del momento en el que creas o de lo que te inspira; casi de ponerlos bajo tu piel. ¿Te suena cierta esta apreciación de tu trabajo?

Sí. Muy cierto. Cuando conoces por primera vez a alguien que en verdad te agrada, lo observas profundamente, lo escuchas y aprendes; le preguntas e incluso, puedes entrar en una especia de comunión con ella o él. Te encuentras en estado de descubrimiento y, la mayoría de las veces, hay una sensación de fascinación –uno está literalmente hipnotizado. Cuando elijo un tema, me introduzco en ese mismo estado de descubrimiento; quedo cautivada; me disuelvo junto con el tema y nos mezclamos –incorporo el tema de mi obra a mi, a mi cuerpo. Este proceso me fue confirmado cuando leí acerca del compositor contemporáneo Karlheinz Stockhausen, quien piensa que no hay nada en el mundo que no sea un fenómeno vibratorio. Así, la vibración de los otros nos modula, nos cambia y, al final, nos convertimos en ellos y ellos en nosotros.

7. ¿Te has cuestionado acerca de los límites de tu medio para involucrar al espectador con sus otros sentidos? Como con el olfato, por ejemplo. ¿Cómo compartirías, reproducirías o comunicarías el olor de un ser amado, lo que es estar tan cerca de estas personas?

En mis trabajos anteriores he utilizado cera, tierra y papas podridas — lo cual no tiene nada que ver con un amante. Eso fue cuando mi trabajo se enfocaba en temas de identidad, y estaba fuertemente influenciado por Michelle Foucault, Julia Kristeva y George Bataille. Así que, sí, he hecho mi parte de trabajos ‘intensamente olorosos’ y, sí, estos definitivamente se apoderaban de ti, al grado que mi estudio durante mucho tiempo fue inhabitable. Es probable que vuelva a explorar el olor como una extensión de la experiencia, pero, por el momento, estoy explorando el sonido. Actualmente, estoy trabajando con proyecciones y sonidos digitales. Estoy colaborando con Jorge Verdin, del colectivo Nortec, en una pieza interactiva que utilizará 5 proyectores. Las imágenes pertenecen a mi viaje a Islandia el verano pasado. Mi proyecto About to Happen es el inicio de trabajar con este material filmado en Islandia.

8. “La modernidad del Siglo XX instauró en el diseño una profunda visión de “profesionalismo�? — de poseer una objetividad fría y neutral — que se ha manifestado principalmente a través de una actitud muy poco crítica de “servicio a la industria�?, la cual ha demostrado ser poco adecuada al mundo actual que pide a gritos que la gente se preocupe, involucre, responsabilice y comprometa.“ Éste es uno de los temas de la conferencia Design as a Social Forceque ofreciste en conjunto con tu socio, el escritor Adam Eeuwens, durante un foro organizado por la organización Peace Over Violence,según tengo entendido por tu página web. ¿Qué barrera crees que se encuentra entre la mayoría de los diseñadores — y los nuevos diseñadores- para involucrarse de manera más activa con el mundo?

(Por cierto, la cátedra que mencionas fue organizada por el Centro de Artes y Ciencias de la Universidad de California de Los Angeles, como parte de una serie de conferencias de Arte y Activismo. El proyecto que presentamos fue realizado en colaboración con una organización llamada Peace Over Violence, para la cual creamos un nombre y un programa de identidad de marca integrado. De mi sitio web (http://www.rebecamendezdesign.com/projects/show/11): En el 2004, mi estudio tomó una sincera decisión de donar nuestros servicios creativos a ‘La Comisión de Los Angeles para los Asaltos contra las Mujeres.’ Nos hemos convertido en los conductores de marca de la agencia y seguimos conduciéndolos a través de su proceso de reconstruir su marca. El trabajo que presentamos en el sitio, es lo que hemos logrado con fondos extremadamente limitados, pero con la dedicación incansable de grandes hombres y mujeres que creen que la violencia se puede prevenir y que la paz es alcanzable).

Durante los últimos años, he pensado mucho acerca de tu pregunta, sin embargo, me la hago a mi misma; el porqué no estoy más involucrada con la formación de nuestro mundo. Mi conferencia para la serie de Arte y Activismo de la Universidad de California de Los Angeles indaga esa pregunta. Intentaré resumir una conferencia de dos horas — la cual todos ustedes pueden descargar y echar un vistazo de los archivos de UCLA DIMA EDA en: http://www.eda.ucla.edu/archive/ bajo la fecha: 04/19/07.

Desde el instante que el diseño emergió como una disciplina durante la década de los veintes, ésta fue estrechamente vinculada con una visión del mundo utópica e idealista. Ésta comenzó con la revolución rusa de octubre de 1917. Esta Revolución había de producir una nueva sociedad en la que las cosas buenas de la vida no estarían reservadas para una elite únicamente, sino serían compartidos por todos. Fue en ese espíritu que se formó la Bauhaus. Lo que es importante acerca de esta era es que el arte, la ciencia, la tecnología y la política se inspiraban e influenciaban entre ellas, y los experimentos del arte, la ciencia y la tecnología eran inspirados por ideas socio-políticas. El idealismo y la utopía servían como faros que alumbraban el camino hacia un futuro inimaginable de justicia política y social. Pero el idealismo y lo utópico se estropearon por los dogmas, la tiranía y la ingenuidad. El idealismo de la justicia socio-política — como una de las ‘grandes narrativas’ — ha muerto. Pero las ideas y una especie de idealismo que es más pequeño, más modesto, rápido y más provisional, sí es posible. Éste puede encontrarse en lo que se hay entre las cosas – entre lo local y lo global; entre las disciplinas y los medios; entre las prácticas artesanales y la filosofía. El filósofo holandés Henk Oosterling esboza en su libro ‘The World Must Change: Graphic Design and Idealism’ la genealogía de un idealismo moderno. Él cree que los diseñadores, a través de ‘su tan bien construido acercamiento interactivo, multi-mediático e interdisciplinario’ (él llama a este complejo tan dinámico ‘intermediabilidad’), pueden ser una influencia socio-política y anticiparse a los cambios. Una reestructuración del idealismo — en cuyo corazón está la idea- puede ser formulado nuevamente. Oosterling afirma que “ésta es menos una cuestión de emancipación que una de sensibilidad — es decir, lo que tiene sentido, lo que sensibiliza- hacia lo que se encuentra entre los estilos de vida postmodernos… El idealismo se ha convertido en una logística del pensamiento sensato: una realidad creable.�

9. En dicha conferencia, tengo entendido que apuestas por un diseñador que centre su mirada en el mundo y menos en los conocimientos técnicos y estéticos de la profesión. Sin embargo, en el mercado, actualmente se le exige a los diseñadores un tremendo cúmulo de conocimientos técnicos, cada vez por sueldos más bajos, debido al exceso de diseñadores en la fuerza laboral. Comprometerse con una situación difícil estando en una situación difícil es, hasta cierto punto, como pedir sacrificio en tiempos de supervivencia. ¿Cómo llamarías a tus colegas a asumir su compromiso como diseñadores?

El sacrificio es necesario de cualquier forma: o sacrificas tu estilo de vida o sacrificas tu voz. Recomiendo fuertemente a los diseñadores que no entren a trabajar a una compañía grande o transnacional durante los primeros dos años después de que se hayan graduado. Formen colectivos y consigan compañeros de cuarto para vivir juntos, así tendrán tiempo para encontrar sus voces propias como comunicadores. Es por eso que los movimientos de ‘hágalo usted mismo’ (‘do it yourself’) están ganando tanto ímpetu. Y, si te vas a unir (a una empresa de ese tipo), entonces debes practicar tu profesión de manera paralela y por tu propia cuenta. Eso fue lo que yo hice. No sólo necesitaba un trabajo porque tenía que sobrevivir, sino también porque estaba en los Estados Unidos y necesitaba tener a alguien que me patrocinara para tener un permiso de trabajo. De más de 30 cartas que envié para pedir trabajo y patrocinador, un despacho fue el que me respondió, ofreciéndome un puesto. Así, mantuve mi trabajo personal y practica como independiente por las noches y los fines de semana.

10. En el tema del compromiso, ¿cómo logras tú un equilibrio entre tu vida personal y tu trabajo, cuando éste es tan extenso y demandante? ¿Alguna vez has cuestionado el sacrificio que seguramente has tenido que hacer?

Toda decisión requiere sacrificio. Yo he sacrificado mucho: he perdido relaciones, he perdido sueño (2:18 a.m. y heme respondiendo a tu cuestionario), he perdido aspectos de mi salud física. Pero he ganado demasiado. No pienso mucho acerca de eso. En este momento me siento muy contenta y realizada. Estoy comprometida a una vida valorando lo estético, la libertad y el mantenerme independiente de las expectativas de los demás, y estoy dispuesta a pagar todo el precio de admisión a esta forma de llevar mi vida.